LA MÚSICA EN EL SALVADOR.

 MUSICA AUTOCTONA E INFLUENCIAS MUSICALES DE EL SALVADOR.

Queridos lectores llegamos al final de mi BLOG, agradecerles mucho por su apoyo, este dia les presento un tema de relevancia para nuestro pais y es la historia de la música en el Salvador.

El Salvador es un país de América Central cuya cultura es una mezcla de mayas, pipiles, españoles y nada o casi nada de ascendencia africana, debido a una ley impuesta por los españoles y criollos alrededor del siglo XVII, la cual fue mantenida por las autoridades aún después de la Independencia con España en 1821 y abolida hasta casi finales del siglo XX, en la que no se permitía que las personas descendientes de africanos ingresaran al país.El Salvador es pues la sumatoria de rasgos de las diferentes culturas que se han mezclado entre su gente a lo largo de su historia.

LA EPOCA DE ORO EN LA MUSICA SALVADOREÑA.

La Época de Oro de la Música Salvadoreña, se vivió en los años sesenta y setenta, Los Mustangs, Los Vikings, Hielo Ardiente y Los Die Blitz son algunos de los referentes musicales de la época. Canciones como "Abre los ojos", "Señora", "Cien mujeres", "El amigo que perdí" lograron posicionarse en la preferencia de los salvadoreños y extranjeros que las oían a través de estaciones radiales. Las bandas de la época trabajaban los géneros del rock, rock en español, balada romántica, nueva ola.

Lista de bandas que marcaron la época dorada de la música salvadoreña:

1. Los Mustangs: "Abre los ojos", "Solo te vi", "Los dos".
2. Hielo Ardiente: "Señora", "El bardo", "Sentir que soy amado".
3. Los Vikings: "Cien mujeres", "Sentado a la vera del camino", "Herido por dentro".
4. Die Blitz: "El amigo que perdí", "Nada me importa".
5. Los Beats: "Verónica", "Solo se".
6. Broncco: "El vendedor de sueños", "Ya no estas".
7. Los Intocables: "Tu", "Todo parece terminar".
8. Los Kiriaps: "Incomprensión", "Te querré y te amare".
9. Los Comets: "Tu me dijiste adiós", "La plaga".
10. Los Walos: "Nacera un cariño crecerá un rosal", "Solo una aventura".
11. Los Thunders: "El tiempo lo dirá", "Yo se".
12. Los Supersonicos: "Esperando por ti", "Era mucho".
13. Los Black Cats: "Porque", "Cierto susurro".
14. Los Cristian´s: "Es difícil decir adiós", "Toca tres veces".
15. Los Apaches: ""Última canción", "Enamorado del amor".
16. Los TNT: " Campos de fresas", "Susie Q":
17. Los Lovers: "Camino de hormigas", "Te quiero yo".
18. Banda del Sol: "Abriendo caminos", "el planeta de los cerdos".
19. Vía Láctea: "Atrapados en el recuerdo".

En la actualidad, su música incluye cantos religiosos, sobre todo católicos, usados para celebrar la Navidad y otras fiestas, especialmente para conmemorar al santo patrono de una determinada población.

ESTILOS POPULARES SALVADOREÑOS.

Los estilos populares en El Salvador moderno incluyen:

1. Cumbia, hay diversas agrupaciones, ya que este género se vio fuertemente influenciado por la interacción de músicos salvadoreños y colombianos (Cumbia salvadoreña).
   
2. Merengue.
   
3. Salsa, el principal grupo pionero es Salsalvador All Stars.

4. Música regional mexicana, la música mexicana es muy aceptada en el país, y hay agrupaciones que incursionan en el subgénero de banda sinaloense, entre las que destacan La Auténtica Banda LL, Banda La Primera, La Auténtica Banda de Plata.

MÚSICA AUTOCTONA SALVADOREÑA.

Antes de la llegada de los colonos españoles, El Salvador compartía la cultura con los mayas-pipiles, que hablaban la lengua náhuat, los lencas que hablaban potón, los chortís cuya lengua era la chortí, etc. Los pipiles fueron la etnia más numerosa; además hubo pokomames, cacaoperas, etc.

Poco se sabe sobre la música tradicional de estos pueblos antes del contacto con los europeos.

La música de los pipiles y antiguos mayas era principalmente con tambor, traqueteo y flauta. Un grupo notable de música nativa es talticpac, que significa en castellano “sobre la tierra”.

Con la venida de los españoles, la música clásica europea y la española se mezclaron con los estilos nativos.

Una canción nativa muy conocida en El Salvador es "Danza del Teponahuaste", pero a la venida de los españoles tomó el nombre de santo tingo con el fin de seguir adorando a los dioses que los indígenas poseían y lo cual era prohibido por la iglesia católica.

Un músico salvadoreño muy conocido fue Pancho Lara, quien escribió la canción "El Carbonero", la cual es proclamada popularmente como el segundo Himno Nacional de El Salvador, haciendo alusión al ave nacional, el torogoz.

 

GENEROS CONTEMPORANEOS NACIONALES.

El xuc.

                                                                                                                                                                    

El xuc, surge en la década de los 1940s gracias a la creatividad del músico Francisco "Paquito" Palaviccini. El mismo se origina a partir de un instrumento salvadoreño llamado “juco”, un instrumento de viento típico de El Salvador, que al momento de tocarlo suena “xuc, xuc”, el mismo desde hace años se ha convertido en un símbolo de identidad musical del municipio de Cojutepeque, y un patrimonio artístico a nivel nacional, y que hoy en día forman parte de las ya tradicionales fiestas patronales, actividades de índole cultural y cívica, ya que los estudiantes de los centros educativos salvadoreños deleitan al público bailando con dicho estilo musical.

La chanchona.

La chanchona como tal es un instrumento rechoncho, grande, de sonidos graves, consta usualmente de cuatro cuerdas, se toca sin arco y se puntea con los dedos. Por ser un instrumento regional no tiene cabida en la música clásica. Generalmente está construido de madera de pino para el brazo y caobilla en la caja, a diferencia del contrabajo.

El mismo es muy querido en la zona oriental de El Salvador, en otras latitudes es conocido como “tololoche” o “chicoteado”; es alegre, es tropical y representa una de las expresiones culturales de las comunidades de la zona rural en el oriente de El Salvador. Los campesinos rebautizaron con ese nombre al bajo acústico, por la corpulenta estructura del instrumento, sin embargo el nombre “chanchona” no solo es para referirse al instrumento como tal, sino al conjunto musical que toca referido instrumento con otros acompañantes, siendo estos principalmente por tamboriles, violines, armónicas y guitarras.

LA MUSICA EN EL SIGLO XXI

 Musica del nuevo milenio.

 La música de los comienzos del siglo XXI es una amalgama de tendencias divergentes y hasta contrapuestas en las que resulta difícil encontrar un hilo conductor. Frente a la nueva complejidad, sin duda heredera del estructuralismo, se encuentran nuevas simplicidades, corrientes místicas, neopoéticas, el fenómeno del borrowing o música sobre músicas como reflejo de la intertextualidad y la interculturalidad y los intentos más o menos logrados de fusión, así como las músicas sónicas y del paisaje sonoro. 

Todo ello, en un contexto sociológico, el de la cultura de masas, en el que la música de investigación creativa se diferencia netamente de otros productos musicales de consumo. Probablemente, sólo la cercanía haga aparecer como caótico un proceso que seguramente es mucho más coherente. 

Contexto histórico.

Hay que tener en cuenta que la vanguardia musical del siglo XXI insistió mucho sobre la revolución armónica. Atonalidad y dodecafonismo desmontaron el sistema tonal funcional creado poco a poco desde el Renacimiento y sistematizado en los comienzos del siglo XVIII, especialmente con Rameau. Pero sería injusto desconocer las revoluciones paralelas en el campo del ritmo y el timbre, así como que el problema formal quedó parcialmente sin resolver: las formas heredadas tenían su base en el sistema armónico que precisamente se negaba. 

Junto a lo anterior, los intentos de trascender la escala –desde los microtonalistas a los bruitistas y, más tarde, la música electroacústica– acabaron por remontar la diferencia entre los sonidos musicales y los no musicales para hacer de cualquier sonido una fuente potencial de música. 

La influencia del pensamiento estructuralista, de la lingüística y la expansión del concepto básico de “serie” acabaron por desarrollar un espejismo de unidad internacional en el edificio de la vanguardia musical internacional, con la etapa del serialismo integral, e incluso un cierto tipo de aleatoriedad. La llegada de las vanguardias no seriales, la aleatoriedad americana y, muy especialmente, la irrupción de la postmodernidad dieron al traste con esa ilusoria unidad. 

Formas Musicales del Siglo XXI.

Las formas musicales del siglo XXI, se desarrollaron a mediados del siglo XX pero su mayor influencia y aceptacion empezaron en este nuevo siglo, por los cuales a continuacion te presento algunos de ellos.

1. 1. Reggaetón Es uno de los géneros musicales mas usados en este continente, este genero tiene varios cantantes famosos y reconocidos en todo el mundo, entre ellos tenemos a : j balvin, j Alvares, reikon, pipe calderón, daddy yanqui, tego calderón, maluma, nejo y dalmata, entre otros… Este genero es uno de los géneros mas descargados en internet con millones de visitas al día.

1. 
   
2.  2. El Rap es un tipo de sprechgesang o recitaciónrítmica de rimas y juegos de palabras surgido a mediados del siglo XX entre la comunidad afroamericana de los Estados Unidos. Es uno de los cuatro pilares fundamentales de la cultura hip hop, de ahí que a menudo también se lo llame metonímicamente (y de forma imprecisa) hip hop. Aunque puede interpretarse a capella, el rap va normalmente acompañado por un fondo musical rítmico conocido con la voz inglesa beat. Los intérpretes de rap son los MC, sigla en inglés de "Maestro de Ceremonias".

1. 3. El rock es un género musical del siglo XX y de la época contemporánea del cual nacen cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll.1 Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que habitualmente se adicionan, con guitarra, batería, bajo y, algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano.
3. 
   
4. 4- Pop La expresión música pop (del inglés pop music, contracción de popular music) hace referencia a una combinación de distintos géneros musicales1 altamente populares dentro de una sociedad. Este tipo de música es hecha básicamente para ser comercializada. Comenzó durante los años 50.

1. 5- Electro pop (a veces llamado Tecno-pop)(pop electrónico en español) es un estilo particular de música electrónica y synth pop que floreció a principios de la década de los 80, aunque las primeras grabaciones se realizaron a finales de los 70s. Muchos conjuntos musicales han continuado usando este tipo de sonido en la década de los 90y en los años 2000. El electro pop se caracteriza frecuentemente por un sonido electrónico y repetitivo. "Electro pop" es el término corto que fusiona la "suma" de "pop+ electrónico".
2. 
   
   
3. 
   

1. 6. Country (también llamado Country & Western) es un género  musical surgido en losaños 20 en las regiones rurales del Sur de  Estados Unidos y las Marítimas de Canadá y Australia. Combinó en sus  orígenes la música folclórica de algunos países europeos de  inmigrantes, principalmente Irlanda, con otras formas musicales ya  arraigadas en Norteamérica, como el blues y la música espiritual y  religiosa como el gospel. El término country comenzó a ser utilizado  en los años 50 en detrimento del término Hillbilly, que era la forma en  que se lo conocía hasta entonces, terminando de consolidarse su uso  en los 70.
2. 
   
   
   
   
   
   
   

   
   
   
   
   
   
   

MÚSICA CONTEMPORANEA EN LATINOAMERICA.

La música de tradición europea en Latinoamérica ha sido sumamente diversa y compleja, tanto musicalmente como también en cuanto al lugar que ésta ocupa en la sociedad. Uno de los principales obstáculos han sido las dificultades económicas de la región durante casi la totalidad del siglo, por una parte, y la falta de acceso e interés de la mayoría de la población a la música docta, por la otra. Desde el punto de vista musical y estilístico siempre se ha generado una pugna entre producir correctamente el legado de la música docta europea, y desarrollar elementos originalmente latinoamericanos y nacionales en la misma.

, independientemente del estilo o técnica que el compositor haya utilizado. La música contemporánea latinoamericana, más que un estilo, comprende una inmensa diversidad de obras, conceptos, técnicas y estilos que se han elaborado en la región desde que se ha propuesto la música docta como un desafío creativo, por sobre la noción de música docta como la mera asimilación cultural repetitiva de la música culta europea.

En Colombia, en la primera mitad del siglo XX, las figuras musicales más predominantes se formaron fuera del país. Guillermo Uribe Holguín , Antonio María Valencia y Adolfo Mejía lo hicieron en París. El primero fue compañero de Erik Satie en la Eschola Cantorum. Mejía fue alumno de Paul Dukas y Nadia Boulanger en la Escuela Normal de Música. Germán Borda estudió en Viena y José Rozo Contreras en Roma y Viena.

Es por  esto que muchos de los compositores de esta región han sido catalogados como pertenecientes al nacionalismo musical

La formación musical de nuestros compositores ha estado fuertemente ligada a Europa.

Más adelante, a comienzos de la segunda mitad del siglo XX, gran parte de la vieja generación de compositores latinoamericanos fueron becarios del hoy desaparecido Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales del Instituto Torcuato Di Tella, la desaparecida escuela que creó Alberto Ginastera en Buenos Aires en los años sesenta. Allí recibieron de la mano de Luigi Nono, Olivier Messiaen, Luigi Dallapiccola, Cristobal Halffter, Vladimir Ussachevsky, entre otros, los secretos de la música europea. Blas Atehortúa, uno de ellos, aún le recomienda a sus estudiantes de composición, como algo indispensable, un tratado italiano de contrapunto.

En estos últimos años, los esfuerzos institucionales para llevar a Latinoamérica solistas, ensambles y compositores Europeos han sido enormes y no pocos. Sólo en Colombia, con los cada vez más reducidos recursos que le asigna el estado a la cultura, se consiguió llevar a los Laboratorios de Nueva Música en Bogotá a Dominique My, quien dirigió el ensamble deciBelio de la Universidad Javeriana. Mas tarde se llevó a Tristan Murail y luego a Phillippe Manoury. En México, Emanuel Nunes viene de ser jurado en la última edición del Premio Iberoamericano de Composición Rodolfo Halffter. Ya Tristan Murail lo había sido.

¿Cuántos ensambles de música contemporánea europeos han visitado Latinoamérica en estos últimos años? y, ¿Cuántas obras de compositores latinoamericanos radicados en América Latina han tocado estos ensambles en Europa? Yo mismo conseguí que el año pasado invitaran un ensamble francés, por el que siento un gran aprecio, a participar del festival de Música Clásica Contemporánea de Lima. A la fecha, no he sabido que tengan pensado estrenar en París alguna obra de un compositor peruano. Y este es un ensamble que por diferentes razones ha incluido dentro de su repertorio un buen número de obras de compositores latinoamericanos, radicados en París casi todos. La música contemporánea latinoamericana no le interesa ni a los compositores, ni a los ensambles, ni a los festivales europeos. Salvo, si es hecha en Europa.

LA MÚSICA CONTEMPORANEA.

 

Nacimiento del posmodernismo contemporáneo.

El posmodernismo puede ser considerado una respuesta al modernismo que defiende los productos de la actividad humana particularmente los manufacturados o artificiales como el sujeto central del arte misma, y la idea de que el propósito del arte es focalizar la atención del público sobre objetos para su contemplación, tal como el crítico Steve Hicken lo explica.

Esta teoría del modernismo vuelve a la Escuela dadaísta ejemplificada por Duchamp, y al collage de música concreta, así como los experimentos con música electrónica de Edgard Varèse y otros. No obstante, el posmodernismo defiende que éste fue el modo primigenio de existencia humana, un buceo individual en el mar de producción del hombre.

John Cage es una figura prominente en la música del siglo XX; su influencia fue creciendo durante su vida, y hoy es recordado por muchos como el fundador de la música postmoderna. Cage cuestionó la misma definición de música en sus piezas, e insistió en la filosofía de que todos los sonidos son esencialmente música. En su 4’33” confronta al oyente con su idea de que los sonidos no intencionales son tan músicalmente válidos como los originados por un instrumento. 

APARECIMIENTO DEL POLIESTILISMO.

Poliestilismo es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado una característica posmoderna que comienza a finales del siglo XX y se acentúa en el siglo XXI. Es importante distinguir entre la actitud ecléctica, que es la de quien recolecta material de diferentes fuentes de modo pasivo y la actitud poliestilista, que es la de quien fusiona las fuentes de modo coherente, deliberado y propio. El compositor poliestilista no emplea necesariamente su canon de estilo y técnica en un solo trabajo sino que en el conjunto su obra se advierte diferentes "estilos". Esta corriente, pese a haber sido anticipada en una temprana tendencia que unificaba elementos de folk o de jazz en trabajos clásicos, se desarrolla realmente desde finales del siglo XX, y mientras más y más estilos entran en juego en el nuevo siglo, el movimiento se hace cada vez más importante y diverso. 

(John Zorn (1953), músico estadounidense de origen judío, poliestilista y ecléctico)

Libre improvisación.

La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. El término es en alguna forma paradójico en tanto puede ser considerado como una técnica (empleada por cualquier músico que quiere olvidarse de géneros rígidos y formas) y como género reconocible en sí mismo. La improvisación libre, como estilo de música, se desarrolló en Europa y EE. UU. en la mitad y fines de la década de 1960 en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.

OTRAS INFLUENCIAS MUSICALES DEL SIGLO XX.

 - MICROTONALISMO.

El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores que un semitono). El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de manera humorística como “las notas entre las teclas del piano”. Experimentando con el violín en 1895, el mexicano Julián Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidos claramente diferentes entre las notas Sol y La emitidas por la cuarta cuerda de violín. Llamó a estas distinciones microtonales Sonido 13 y escribió sobre la teoría de la música y la física de la música. Inventó un simple notación numérica para representar las escalas musicales sobre la base de cualquier división de la octava, como tercios, cuartos, quintos, sextos, séptimos, y así sucesivamente (incluso escribió, la mayoría de las veces, para cuartos, octavos y dieciseisavos combinados, la notación es la intención de representar cualquier subdivisión imaginable). Inventó nuevos instrumentos musicales, y otros los adaptó para producir microintervalos. Compuso una gran cantidad de música microtonal y grabó 30 de sus composiciones. En los años 1910 y 1920, los cuartos de tono y otras subdivisiones de la octava recibieron la atención de otros compositores como Charles Ives, Alois Haba (1/4 y 1/6 de tono), Ivan Wyschnegradsky (1/4, 1/6, 1/12 y escalas no octabables), Ferruccio Busoni (quien hizo algunos experimentos infructuosos en la adaptación de un piano de tercios de tono), Mildred Couper y Harry Partch. Erwin Schulhoff dio clases de composición con cuartos de tono en el Conservatorio de Praga. Destacados compositores microtonales o investigadores de los años 1940 y 1950 incluyeron a Adriaan Fokker (31 tonos iguales por octava), y a Groven Eivind. La música microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y fue considerada en adelante casi exclusivamente por los músicos de Vanguardia.

(Charles Ives (1874-1954) fue uno de los más prominentes compositores de música microtonal, y el pionero en Estados Unidos.)

- NEOCLASISMO.

El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica común de tradición en cuanto a la armonía, la melodía, la forma, los timbres y los ritmos, pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de partida para componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmente mencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.

El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos racionales en las artes, en respuesta a la primera guerra mundial. Más pequeño, más escaso, más ordenado fueron las tendencias concebidas como respuesta a la saturación emocional que muchos sintieron había empujado a la gente a las trincheras. Teniendo en cuenta que los problemas económicos favorecían grupos más pequeños, la búsqueda por hacer “más con menos” se tornó en consecuencia una práctica obligada. Historia del soldado de Stravinski es por esta razón una semilla de pieza neoclásica, como sucede también en el concierto Los robles de Dumbarton, en su Sinfonía para instrumentos de viento o en la Sinfonía en do. La culminación neoclásica de Stravinski es su ópera El progreso del libertino («Rake's Progress»), con libreto del bien conocido poeta modernista W. H. Auden.

                                  (Serguéi Prokófiev (1881-1953) fue un destacado compositor ruso)

El rasgo más audible del neoclasicismo son melodías que usan la tercera como intervalo fijo, y agregan cromáticamente notas disonantes al ostinato, bloques armónicos y mezcla libre de polirritmos. El neoclasicismo ganó gran aceptación de la audiencia con rapidez, y fue internalizado por aquellos opositores al atonalismo como la verdadera música moderna.

En el contexto de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin, el neoclasicismo se ubicó dentro del realismo socialista. Esta fue una corriente estética cuyo propósito fue expandir el conocimiento de los problemas sociales y las vivencias de los hombres por medio del arte. De esta manera los prominentes compositores Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich tuvieron que componer forzadamente en este estilo, incorporando elementos nacionalistas y valores comunistas, pues cualquier tipo de vanguardia se consideraba como parte de la decadencia de la burguesía de occidente.

- MICROPOLIFONÍA Y MASAS SONORAS.

En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes líneas, ritmos y timbres». La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino que se van convirtiendo en otras; una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa, y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando forma». «La micropolifonía se asemeja a los clústers, pero difiere de ellos en el uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas» ​El primer ejemplo de micropolifonía en la obra de Ligeti se produce en el segundo movimiento de su composición orquestal Apparitions. También son pioneras en la aplicación de esta técnica su siguiente trabajo para orquesta Atmosphères y el primer movimiento de su Requiem, para soprano, mezzosoprano, coro mixto y orquesta sinfónica. Esta última obra alcanzó gran popularidad debido a que formó parte de la banda sonora de la película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio

Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el modernismo musical y después se extendió a la escritura orquestal hacia finales de los años 1950 y 60. La masa sonora «difumina la frontera entre el sonido y el ruido».​Una textura puede disponerse de tal manera que «esté muy próxima al status de conjunto fusionado de timbres de un único objeto, por ejemplo el hermoso acorde Northern lights, en una distribución muy interesante de alturas, produce un sonido fusionado que se apoya en un redoble de platillo suspendido.​

El griego Iannis Xenakis (1922-2001) trabajó bajo técnicas que utilizaban modelos matemáticos, masas sonoras y micropolifonía.

Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco Krzysztof Penderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis Xenakis con su obra Metástasis.

- INFLUENCIAS DEL JAZZ.

Desde principios del siglo la música afroamericana y el jazz influyó notablemente a compositores dentro y fuera de Estados Unidos. Dentro del país americano destacó Charles Ives y por sobre todos George Gershwin. Sin embargo compositores afroamericanos más vinculados al jazz también incursionaron en obras que estaban en un límite poco claro entre ambas músicas. Compositores tales como Will Marion Cook, Scott Joplin y Duke Ellington tuvieron una influencia indiscutida en la música docta de Estados Unidos. 

En la segunda mitad del siglo XX surgió el movimiento llamado Third Stream, literalmente Tercera corriente, aplicado a un estilo de hacer música que en los años 50 y 60 pretendió ofertar una vía de desarrollo que integraba las técnicas tanto del jazz como de la música clásica. El término Third Stream fue acuñado por el compositor y solista de trompa, Gunther Schuller, a finales de los años 50, para describir la música que estaban desarrollando algunos artistas intentando establecer un puente entre las disciplinas y formas musicales europeas y el espíritu y la técnica del jazz. A tal fin, Schuller fundó un "Third Stream Department", en el Conservatorio de Nueva Inglaterra. En sentido amplio, la tercera corriente es parte de un proceso general de abolición de barreras musicales entre las diferentes clases de música.

(George Gershwin (1898-1937) compuso tanto en el jazz como en la música clásica y fue el pionero en crear la fusión de ambos de manera exitosa)

LA MÚSICA EN EL SIGLO XX

 LA MÚSICA EN EL SIGLO XX.

Para comprender la música en el siglo XX, es importante acercarse primero a la del siglo XIX, y en especial a una corriente llamada impresionismo. Esta corriente supuso una auténtica liberación, se va a luchar por una música más individual y personal, saliéndose para ello de las normas establecidas, la música impresionista pretende destacar el impacto que provoca la obra al ser escuchada. Se aplican nuevos acordes, colores y sonoridades. En esta música el sonido va a constituir el alma de la música.

- Claude Debussy (1862-1918), nacido en Francia generó ideas completamente nuevas en la forma, la orquestación y fue uno de los renovadores más eficaces de la Historia de la música en el mundo occidental.

- Ígor Stravinsky (1882-1971), una de las figuras más importantes del siglo XX. Toco en su obra los aspectos más variados, investigó en todos los aspectos de la música, se subió al carro del neoclasicismo donde trata de acomodar su música a la de la finales de barroco. Si hay algo que caracteriza al siglo XX es la ruptura con la tonalidad “Atonalismo”. Esta regla consiste en crear una Música completamente distinta, obviando las reglas que rigieron durante siglos de ceñirse a una tonalidad. 

-Bela Bártok (1881-1945), músico húngaro, es uno de los músicos que más va a influir en la música del siglo XX. Bartok consigue unir la música moderna con la tradicional, creando un lenguaje nuevo.

MOVIMIENTOS MUSICALES DEL SIGLO XX.

-NACIONALISMO.

El Nacionalismo en música se refiere al uso de materiales que son reconocibles como nacionales o regionales. Por ejemplo, el uso directo de la música folclórica, y el uso de melodías, ritmos y armonías inspirados por la misma. El nacionalismo también incluye el uso del folclore como base conceptual, estética e ideológica de obras programáticas u óperas.

El nacionalismo es comúnmente relacionado al estilo del romanticismo y Postromanticismo de mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, al cual se le incorporan elementos locales o folclóricos, aunque existen evidencias del nacionalismo desde inicios del siglo XVII.

 (El compositor brasileño Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fue el principal exponente del nacionalismo en Latinoamérica y uno de los compositores no europeos más importantes.)

- MODERNISMO.

Se da el nombre de modernismo a una serie de movimientos basados en el concepto de que, siendo el siglo XX una época de fundamentales cambios sociales y tecnológicos, el arte debe adoptar y desarrollar estos principios como fundamento estético. El modernismo toma el espíritu progresista de fines del siglo XIX y su apego por el rigor del avance tecnológico, por lo que lo despega de las normas y formalismos del arte de la época y la tradición. De esta manera la característica principal del modernismo es la pluralidad del lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje musical en particular asumió una posición dominante.

Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que lo distinguen de los períodos anteriores:

• La expansión o abandono de la tonalidad.
• El uso de las técnicas extendidas.
• La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.

- FUTURISMO.

El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX. Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el diario Le Figaro de París.

                                                                    (Luigi Russolo)

Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo año en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los principales compositores futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo. Russolo concibe en este manifiesto El arte de los ruidos de 1913, como una consecuencia a los estudios previamente realizados por Pratella. La «música de ruidos» fue posteriormente incorporada a las performances, como música de fondo o como una especie de partitura o guía para los movimientos de los intérpretes, además inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o "entonador de ruidos", que fue duramente criticada en su época. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1910.

Russolo fue el antecedente de la música concreta, un lenguaje sonoro en el cual se utilizaba cualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza o por la técnica (técnica gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).

- CRISIS DE LA TONALIDAD Y ATONALISMO.

Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se encuentran en Franz Liszt con su Bagatella sin tonalidad de 1885, período que ya se hablaba de una "crisis de la tonalidad". Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más frecuente de acordes ambiguos, inflexiones armónicas menos probables, y las inflexiones melódicas y rítmicas más inusuales posibles dentro de la música tonal. La distinción entre lo excepcional y lo normal se hizo más y más borrosa, y como resultado, se produjo un aflojamiento concomitante de los enlaces sintácticos a través de los cuales los tonos y armonías habían sido relacionados entre sí.

La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo), conocida como "atonalidad libre" o "cromatismo libre", implicó un intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional. Las obras más importantes de este periodo son la ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg. El primer período de piezas libremente atonales de Schoenberg (de 1908 a 1923), tienen a menudo como un elemento integrador a una célula interválica que, además de la expansión se puede transformar en una fila de tonos, y en el que las notas individuales pueden "funcionar como elementos fundamentales, para permitir la superposición de estados de una célula básica o la interconexión de dos o más células básicas". Otros compositores en Estados Unidos como Charles Ives, Henry Cowell y más adelante George Antheil, produjeron música impactante para la audiencia de la época por su desprecio de las convenciones musicales. Combinaron frecuentemente música popular con aglutinación o politonalidad, extremas disonancias, y una complejidad rítmica en apariencia inejecutable. Charles Seeger enunció el concepto de contrapunto disonante, una técnica usada por Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger, y otros.

-PRIMITIVISMO.

El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclore más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al nacionalismo en su afán por rescatar lo local, el primitivismo incorporó además métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal. Dentro de la música los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Igor Stravinsky y el húngaro Bela Bartok, aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación "primitivista".

El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos trabajos menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para Diáguilev. Estos ballets tienen varias características compartidas: están hechos para ser interpretados por orquestas sumamente grandes; los temas y motivos argumentales se basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Rimski-Kórsakov tanto en su desarrollo como en su instrumentación. El primero de los ballets, El pájaro de fuego (1910), es notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la orquestación. Petrushka (1911), también se anota distintamente y es el primero de los ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, La consagración de la primavera (1913), el que generalmente es considerado la apoteosis del "Período Primitivista Ruso" de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. 

Otras piezas destacadas de este estilo incluyen: El Ruiseñor (1914), Renard (1916), Historia de un soldado (1918), y Las bodas (1923), instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.

Bartók fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador de música folclórica de la Europa oriental (especialmente de los Balcanes). Bartók fue uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y la musicología. A partir de sus investigaciones desarrolló un estilo muy personal e innovador.

EL POSTROMANTICISMO MUSICAL.

 EL POST-ROMANTICISMO MUSICAL.

Los finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las últimas etapas del romanticismo, y de la transformación del lenguaje romántico en el nuevo lenguaje musical. Este movimiento se produjo principalmente en Alemania. Sin embargo dos fuerzas desafiaban la posición musical en Alemania. Una era el nacionalismo, y la otra era el surgimiento de una nueva escuela de composición en Francia. Los últimos treinta años del siglo XIX fueron relativamente pacíficos en Europa, el comienzo del siglo XX se caracterizó por un creciente desasosiego social y un aumento de la tensión internacional: la primera guerra mundial (1914-1918). En el reino de la música hubo tensiones e inquietudes similares, y durante estos años, concluyó el período clásico-romántico.

Uno de los rasgos característicos de este período en Alemania fue una resurrección del interés por la ópera sobre el cuento de hadas.

• Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta alemán, y uno de los orquestadores y polifonistas modernos más excepcionales. Su obra puede dividirse en 3 periodos: en el primero creo su Sonata para violonchelo y piano. En el segundo período perfeccionó el poema sinfónico y creo su famosa obra “Don Juan”, al Tercer Período pertenecen sus operas “Salome” y “Electra”.

Los autores post-románticos buscan llevar hasta el límite la exaltación de la individualidad y los estados anímicos personales. El resultado es un sonido amplio y, a menudo, grandioso, que se logra mediante orquestas muy numerosas y una rica y variada utilización de los instrumentos.
Entre los compositores más destacados del post-romanticismo podemos nombrara Mahler, Strauss, Rachmaninov, Wagner, Scriabin, Fauré, Puccini. Sin embargo todos los artistas post-románticos se verán muy influidos por la obra de R.Wagner y tendrán a su vez influencia en las primeras corrientes vanguardistas.
La reformulación que hace Richard Wagner de la escena musical con su lenguaje operístico fue un modelo para algunos compositores hasta el siglo XX. Con esta renovación formal convivían figuras como Brahms y Verdi, más conservadores del espíritu romántico, que también llegan a cotas de perfección en la composición.

Todo el postromanticismo va en busca de la belleza;  Estos románticos tardíos  tratan de retener una vida que se escapa y buscan todavía el mundo de la belleza, de lo exótico. Los artistas no se dan cuenta de cuan dura es la vida alrededor, sino que continúan el sueño romántico. La cadena de estos artistas no se interrumpe sino que sigue con Oscar Wilde y Rilke, así como en la pintura y en la música.

Podría decirse que en el postromanticismo  los viejos ideales perduran, aunque con  tonalidades distintas, como en el caso del joven Debussy y en autores como Richard Strauss,  Gustav Mahler o Max Reger.
El romanticismo tardío anhela la  continuidad de los valores románticos en una sociedad que cultural, política y socialmente nada tiene ya que ver con la sociedad en la vivieron por Chopin, Mendelssohn o Berlioz.

Veamos cuáles son esos ideales románticos que persisten en una época tan convulsa como la década 1860-1870 y que aún perdurarán más allá de la primera guerra mundial:

 

-El contenido musical continua siendo para el postromanticismo más importante que la forma clásica.
-Como en el romanticismo temprano , es constante  la experimentación de nuevas formas, colores, texturas y armonías cromáticas.
-Los románticos de la primera generación se complacían en las combinaciones tonales desudadas, los acordes refinados y una serie de disonancias que parecían dolorosas. Lo mismo van hacer los compositores romántico tardíos.
-La música romántica tenía su propio sonido, un sonido rico, sensual y colorido y este constituye probablemente, el aspecto individual más importante del periodo. El sonido romántico se prolongará en el postromanticismo
-La música romántica es música no abstracta y muy subjetiva. Ninguna obra estaba eximida de interpretación y significado. La música romántica es por lo tanto es una música cargada de significado; no podía serlo menos la música postromántica: desde los poemas de Strauss que quieren expresar a Nietzsche hasta las sinfonías de Mahler, que son verdaderos monumentos de confesión personal.